Les soirs de mauvais temps faisant suite à une journée frustrante font souvent naître en nous un besoin de défoulement, une envie, heureusement contrôlable, d’attraper le crâne du premier venu et de lui offrir une visite guidée du trottoir, vu de l’intérieur, juste comme ça, parce que ça fait du bien. X-Blades fait partie de ces jeux qui se présentent comme le juste défouloir dont vous aviez besoin pour passer vos nerfs, histoire de reprendre une vie normale et de permettre au dit premier venu de survivre quelques jours de plus.

Sexy Monster Slasher

Reprenant le concept du sexy OneChanbara : Bikini Zombie Slayers, et devançant Bayonetta, X-Blades vous plonge dans la peau d’Ayumi, une chasseuse de trésor au design honteusement pompé sur les créations du studio Bee-Train (en particulier Mimiru de .Hack//SIGN et Nadie de El Cazador de la bruja), à une époque ou le prix du mètre carré de tissu prenait vraisemblablement des proportions hallucinantes. Sans nul doute dans un souci de liberté de mouvement accrue, notre héroïne est en effet revêtue d’une tenue si légère que je pourrais à peine m’y tailler un short… le fait est que elle-même n’a pas pu s’y tailler un short (un short complet en tous cas), ce qui fait que l’on se retrouve la plupart du temps avec le postérieur de la demoiselle en premier plan sur son écran. Si dans l’absolu la chose peut sembler agréable, cela peut se montrer embarrassant lorsqu’une personne de votre entourage (les choix les plus savoureux étant bien entendu la petite amie ou le collègue de bureau) passe par inadvertance derrière vous pendant que vous jouez, voire carrément énervant à la longue… Un design discutable donc, que se soit pour l’héroïne autant que pour les personnages secondaires ou les monstres.

Kawaï May Cry

Tout le monde l’aura remarqué sur les clichés ou les vidéos d’annonce du titre, X-Blades s’inspire énormément du dieu Devil May Cry, tant au niveau de la mécanique de jeu que de l’évolution du personnage. Ayumi manie deux armes combinant épée et revolvers (reprenant d’ailleurs le nom de « Gunblade » de Final Fantasy VIII), chaque fonction étant assignée à une touche différente pour vous permettre de passer de l’une à l’autre instantanément selon les situations (monstres volants en particulier). Le massacrage de monstres à la chaîne vous permet de récolter d’une part des rubis, monnaie utilisée ensuite pour acheter des sorts ou de nouveaux types de munitions pour vos revolvers, et d’autre part de la rage (autrement dit des MP), qui vous serviront à lancer vos sorts et capacités spéciales. Vous trouverez également sur votre chemin des pièces d’artefacts qui amélioreront votre maniement des armes. Ayumi apprendra ainsi à tirer dans plusieurs directions à la fois et sera capable de faire valser ses lames dans une véritable danse assassine. Le tout est diablement bien animé, fluide, de même que les animations des sorts, qui pour les plus gros déclenchent une petite scène à la façon d’un bon vieux RPG (mais toujours assez rapide pour ne jamais briser la dynamique des combats).

A propos des combats eux-mêmes, la jouabilité est des plus simples : on fonce dans le tas en cliquant frénétiquement sur le bouton de la souris pour découper les monstres à la chaine. Certains passages vous demanderont un peu plus de retenue voire vous contraindront à prendre la fuite quelques instants pour tenter une approche moins… globale. Vous pouvez affecter jusqu’à 4 de vos sorts à des raccourcis, certains vous seront d’ailleurs fort utile pour vous sortir de situations délicates. Le jeu tombe assez rapidement dans une mécanique plutôt répétitive de « je fonce dans le tas et je lance un gros sort quand je m’en sors plus, et on recommence ». Fort heureusement, les développeurs de X-Blades ont eu la bonne idée de proposer des objectifs variés parmi lesquels on retrouve le massacre de tous les monstres de la zone, vaincre un boss, trouver et détruire toutes les orbes d’un niveau, etc. De même, certains passages du jeu proposent un côté aventure tranchant radicalement avec le reste. Trop radicalement peut être, au point où lorsque l’on se retrouve face à une phase plateforme (du style « éviter les pieux qui sortent du sol »), on passe son temps à frapper sur les murs et dans le vide pendant 2 bonnes minutes pour trouver ce qu’on doit détruire…

Tout le monde commence à le savoir, à l’occasion des 20 ans de la série Final Fantasy, Square-Enix a décidé de sortir un jeu regroupant les principaux protagonistes de la saga pour une rixe titanesque et mémorable. Mais qui dit Final Fantasy, dit inévitablement musiques exceptionnelles, et Square-Enix a fait appel pour l’occasion à un « petit nouveau », qui a tout de même déjà signé, entre autres, les excellentes BOs de Crisis Core et de The World Ends with You, j’ai nommé Takeharu Ishimoto (avec l’aide de quelques autres compositeurs pour certains arrangements).

Un bel hommage tu feras

La série des Final Fantasy s’est toujours illustrée par une innovation constante tant dans son système de jeu que dans son ambiance, à la fois visuelle et sonore, avec des compositions musicales variées, parfois orchestrales, parfois électriques, voire même complètement rock. Dissidia n’échappe pas à la règle, mais s’agissant d’un jeu censé commémorer les 20 ans de la saga, un certain nombre des compositions sont des copies pures et simples des musiques originales. Voici la façon dont tout cela se présente : pour chaque Final Fantasy du I jusqu’au X, la bande originale de Dissidia comporte 3 pistes : 2 de combats et 1, généralement le thème principal du jeu, servant de musique de fond pour le mode histoire. Sur ces 3 pistes, entre 1 pour les FF les plus récents, et 3 pour les plus anciens sont des réarrangements. Les autres pistes sont quasi toutes des compositions originales, même si elles reprennent parfois des mélodies connues. Il est également à noter, d’une part que la bande originale ne comporte que deux pistes pour les épisodes XI et XII, toutes des reprises inaltérées, et d’autre part que le jeu comporte une musique supplémentaire pour chaque FF, absente de la bande originale, à savoir l’ouverture de chacun d’entre eux, là encore reprises tel quel des morceaux originaux. Pour des raisons faciles à comprendre, je ne m’étendrais pas ici sur les copies directes des morceaux, mais uniquement sur les réarrangements et les nouvelles compositions.

Des remixes inattendus tu réaliseras

Le piège, et le défi avec les réarrangements, c’est qu’il faut réussir à réveiller les souvenirs des auditeurs en leur soufflant une mélodie connue, tout en les surprenant avec une composition originale (et agréable, évidemment). Petit tout d’horizon des reprises incluses dans la bande originale de Dissidia.
Final Fantasy premier du nom s’offre trois réarrangements complets (tout comme les six premiers épisodes, voilà qui est dit), à savoir « Main Theme », « Battle Scene » et « Dungeon ». Le thème principal n’a rien d’exceptionnel, repris très lentement au synthétiseur, il rempli à merveille son rôle de fond sonore, puisqu’il se fait très vite oublier. « Battle scene » en revanche, est une reprise absolument étonnante du thème simpliste que nous offrait le premier FF, incluant des chœurs, des violons, des cloches et une guitare acoustique, la sonorité colle absolument parfaitement au personnage qu’est le Guerrier de Lumière, très noble, infaillible, déterminé. « Dungeon » surprend aussi, mais en premier lieu parce qu’il ne s’agit pas originalement d’une musique de combat, mais bien d’une musique d’exploration. On démarre sur une guitare électrique jouant une version simplifiée de la mélodie, puis un synthétiseur prend le relais pour nous offrir la mélodie originale. Le tout est ponctué par un passage plus calme, mais toujours rythmé au piano, qui maintient une certaine tension. Sympathique, mais pas inoubliable. Si « Battle scene » fait régulièrement l’objet de mon choix pour un combat, « Dungeon » ne l’est que si le hasard en décide ainsi.

La sélection pour Final Fantasy II se compose (roulements de tambours), du « Main Theme », de « Battle Scene 1 », ainsi que de « Battle Scene2 ». Le « Main Theme » ressemble énormément à la version PSOne/GBA du titre, et ne se démarque pas particulièrement du reste. La reprise de « Battle scene 1 », tout en accoustique, se veut minimaliste dans la forme (seulement 2 cordes et un piano), mais se révèle bougrement efficace, entraînante, inquiétante par moment, un magnifique hommage au thème original et aux capacités techniques limitées de la NES. Dans la même veine, « Battle scene 2 » est repris de façon très surprenante, mettant également en avant les cordes et un clavier (synthétiseur cette fois), sur un rythme très marqué, la mélodie s’offre un blanc pur et simple pour enfoncer le tempo au beau milieu de la mélodie. Une véritable réussite, et une de mes pistes préférées de cette bande originale.

Le morceau faisant office de thème principal pour Final Fantasy III n’est autre que l’envoûtant « Eternal Wind ». Reprise à la flûte, la mélodie reste efficace même si le poids des années se fait sentir sur cette mélodie simpliste. « Battle 2 » était l’une des toutes premières musiques qu’on l’on ait pu découvrir à travers les vidéos promotionnelles de Dissidia. Le morceau a conservé son tempo martelé et sa mélodie furtive, rapide, et il faut bien le dire stressante à souhait (surtout quand vous courez après le Chevalier Oignon depuis trois bonnes minutes sans pouvoir le toucher), une reprise qui rempli complètement son rôle. Première reprise d’un thème de boss final, « This is the Last Battle » conserve une atmosphère très « synthétique ». Entièrement jouée au synthétiseur, on aurait presque l’impression par moment d’entendre le son d’époque.

Ne dérogeant pas à la règle, Final Fantasy IV se voit lui aussi accompagné de son « Main theme ».
L’ambiance qui s’en dégage se rapproche légèrement de la version « Celtic Moon », bien que cette nouvelle version semble bien plus vide et pâle. « Fight 2 » était l’une de mes musiques de combat préférée dans sa version originale, et cela m’a peut être amené à en attendre trop de cette reprise. Reprise simplement au synthétiseur, et ayant abandonné son tempo originel, le morceau ressort moins agréable à écouter que la version Super Nes, lassant très rapidement. « The Dreadful Fight » s’offre de son côté une version beaucoup plus orchestrale très agréable et bienvenue, rendant justice à une mélodie complexe et dynamique, qui était, il faut bien l’avouer, martyrisée par le rendu sonore d’époque.

Les « Four Valiant Hearts » de Final Fantasy V ne sont plus que « Four Hearts » dans cette reprise très fidèle au morceau original, très douce et reposante : prenez garde à ne pas vous assoupir durant le mode histoire de Butz. « Battle 1 » se rapproche également énormément du morceau original, jusque dans la sonorité des instruments, simplement dépoussiérée mais aucunement réarrangée, la piste semble avoir volé son titre de « arrange ». Le second thème de combat sélectionné pour Final Fantasy V est l’un des thèmes qui m’a le plus marqué parmi les compositions du maître Uematsu, et il s’agit également d’un des thèmes les plus repris parmi les FF, toujours avec brio, de « Chocobo Tales » à « Final Fantasy XII » en passant par « The Black Mages ». L’arrangement de Dissidia est un savant mélange de la version métal des Black Mages et d’une version orchestrale, mêlant la guitare électrique et les cuivres au synthétiseur, le résultat est très plaisant et ira se placer avec les honneurs aux côtés des nombreuses reprises de cette mélodie.

Il y a des rendez-vous qu’on ne manque pas. Pour ma part, j’attends avec impatience chaque année l’arrivée du nouveau Nothomb, comme d’autres attendent le beaujolais ou le Tour de France. Les ouvrages ont pour habitude d’alterner, d’une année à l’autre, entre le récit autobiographique et le roman purement fictionnel original. Après l’excellent « Ni d’Eve, ni d’Adam », Amélie Nothomb nous place dans le quotidien d’un individu lambda, au cours d’un dîner routinier, qui va changer de vie pour prendre celle d’un mystérieux inconnu mort dans ses bras…

Ca partait bien

« Si un invité meurt inopinément chez vous, ne prévenez surtout pas la police. Appelez un taxi et dites-lui de vous conduire à l’hôpital avec cet ami qui a un malaise. Le décès sera constaté en arrivant aux urgences et vous pourrez assurer, témoin à l’appui, que l’individu a trépassé en chemin. Moyennant quoi, on vous fichera la paix ». C’est sur cette phrase (pleine de bon sens diront certains), que s’ouvre le roman. Intrigante, inquiétante, cette introduction augure du meilleur pour la suite. Et la suite directe ne nous laisse pas en plan : le héros, prénommé Baptiste, reçoit chez lui un parfait inconnu qui a la bonne idée de mourir sur le tapis, sans explication. S’en suit alors une longue réflexion interne, puis la décision de changer de vie, et d’assumer l’identité de cet inconnu.

Mais, j’ai pas fini-eeeeuuhhh !

Le roman sait susciter notre intérêt dès les premières lignes, comme sait si bien le faire Amélie Nothomb, en nous partageant entre l’admiration et le dégoût. On retrouve dans les premiers chapitres cette dualité propre à l’auteur qui nous fait douter de nos propres pensées. Seulement voilà, comme un album sur lequel on aurait casé des morceaux de fonds de tiroir pour afficher 80 minutes, l’histoire donne assez vite l’impression de tourner en rond. Une aventure qui s’annonçait passionnante et épique se retrouve confinée à un salon et une chambre à coucher. Les péripéties, se traduisant généralement par des dialogues faussement piquants, se succèdent assez mollement, même si la lecture reste très agréable. L’auteur cherche à placer de ci de là des réflexions plus ou moins profondes, mais le fait est que rien ne parvient à déclencher plus qu’un petit rictus, mélange de sympathie et de déception face à des phrases prévisibles, plus accrocheuses par leur forme que par leur fond. En cela, « Le fait du prince » relève plus du passe-temps de salle d’attente que de l’œuvre bouleversante.

C’est l’heure, posez vos stylos et rendez vos copies.

Oui, plus on y pense, et plus « Le fait du prince » fait l’effet d’un livre écrit pour éviter de laisser une année sans publication, un méli-mélo de phrase préconçues que l’auteur n’a pas réussi à placer ailleurs. La conclusion ne fera que renforcer cette idée : abrupte, cliché, déplacé, l’épilogue de ce roman laisse dubitatif et inquiet quant aux prochaines œuvres de l’auteur. « Le fait du prince » n’est finalement pas un mauvais roman, il se laissera dévorer en une ou deux heures, mais n’est certainement pas à la hauteur des ouvrages précédents d’Amélie Nothomb, bien plus inspirée par sa propre aventure à travers le monde que par le destin d’un inconnu parisien. On espère de tout cœur retrouver l’univers joyeusement décalé et la plume acerbe de Nothomb l’année prochaine.